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martes, 24 de noviembre de 2015

Tributo a Edgar Degas

      En mi intento de rendir homenaje a grandes maestros de la pintura, Edgar Degas, es uno de mis admirados artistas al que decidí rendir tributo, y aquí dejo la paleta de pintor sobre la que intervine con acrílicos.
Gladys Fretes - Ensayo, mi tributo a Degas - Acrílico (2015)

HILAIRE GERMAINE EDGAR DEGAS (París 1834 - 1917).
Edgar Degas Autorretrato (1855)

     Al indagar, las biografías sobre Edgar Degas indican que pocos artistas muestran las contradicciones de su tiempo de la manera que él las describe; participó en las exposiciones impresionistas y criticó los principios básicos de este movimiento; se inspiró en los maestros del pasado y sus escenas rebosan modernidad; defendía la línea sobre el color y se destapará como uno de los mejores coloristas del momento en algunas obras. Odiaba los honores oficiales y quería triunfar en el Salón. Estas curiosas paradojas las encontramos en la trayectoria artística de uno de los grandes genios del siglo XIX.
       Degas es considerado uno de los más destacados dibujantes en la historia en cuanto al dominio de la representación del movimiento dentro de sus pinturas, especialmente dentro de sus obras de bailarinas, carreras de caballos y desnudos. Los retratos realizados por Degas han sido descritas como memorables debido a su complejidad psicológica y por su capacidad de proyectar la soledad humana dentro de sus pinturas
'Mujer en la bañera'" 1886, Museo Hill-Stead
       En cuanto a su vida, a pesar de que inició sus estudios de derecho, gracias a la desahogada economía familiar y al beneplácito de su padre (cuya cultura y sensibilidad ante lo artístico resultó fundamental en su etapa de formación), Edgar Degas se dedicó pronto a la pintura.
       Vistos los deseos del joven, su padre decidió financiar el aprendizaje artístico de Edgar, reconociendo su error inicial. Bien es cierto que Auguste Degas era un espíritu refinado, gran amante de la buena música y de las pinturas del Quattrocento, lo que hizo más comprensible la atracción por la pintura de su hijo.
       El fallecimiento de su padre (Auguste Degas) en 1874 reveló la mala situación económica por la que atravesaba la familia en ese momento, existiendo un buen número de deudas. Esto provocó que Degas tuviera que vender sus cuadros para poder vivir, algo que hasta entonces no había hecho. Esta crisis financiera se prolongaría hasta 1880. Sus máximas obsesiones en la década de los setenta serían las escenas de ballet y los grabados. Pocos artistas han dado una visión tan completa de las entrañas de la danza como hará Degas. 
      Pasaba largas jornadas contemplando los extenuantes ensayos de las jóvenes  del ballet en el escenario, sintiéndose especialmente atraído por ese mundo. Quizá también exista un motivo económico al ser vendidos estos temas más fácilmente por su marchante.
      Otra faceta destacada de su arte es la escultura, realizando numerosas estatuas de caballos, bailarinas o bañistas desnudas, llegando a ser considerado por Renoir como el mejor escultor moderno, por delante incluso de Rodin. El carácter del artista se hace cada vez más agrio con el paso del tiempo, mostrando de manera abierta sus prejuicios sociales, criticando la democracia y la educación de las clases trabajadoras.
      Desde 1900 el artista redujo mucho su producción, renunciando a trabajar a partir de 1912. Emplearía modelos reales, aunque también se valía del amplio repertorio de posturas que había realizado anteriormente, llegando a calcarlas e invertirlas para crear nuevas imágenes. En estos últimos años destaca su faceta de coleccionista, adquiere una importante cantidad de cuadros a los marchantes, llegando a cambiarlos por sus propias obras.

Degas, planchadoras, sombrereras y bailarinas.
 
Fin d'Arabesque, 1877, Museo d'Orsay
     Con las planchadoras y sombreras, Degas ingresa a la modernidad, ahora, la serie dedicada a las bailarinas es la que más éxito alcanzó. Degas se inspiró para realizarlas en los espectáculos de danza clásica programados en la Opera de París. El baile le permitía, mucho mejor que otros temas, descomponer el movimiento, dado que le fue factible examinar todas las posturas realizadas por una bailarina en particular o por el conjunto de un ballet en general, bien como espectador tras los bastidores, bien desde el foso de la orquesta, bien como testigo de los ensayos correspondientes. Fruto de esta observación minuciosa es la captación que hace el artista de ademanes y gestos momentáneos, captación que traslada a sus pinturas con un naturalismo propio de la técnica fotográfica.
      Para concluir, tal como lo describe Wikipedia, este
La tienda de sombreros, 1885, Instituto de Arte de Chicago
artista francés es conocido mundialmente por sus pinturas, esculturas, gradados y dibujos. Se le es reconocido por sus representaciones de bailarinas de ballet por su capacidad de proyectar el movimiento dentro de sus pinturas. Es considerado como uno de los fundadores del impresionismo, aunque Degas rechazaba el nombre y prefería llamarlo Realismo o arte realista. 
     Afirman los especialistas en historia del arte que, Edgar Degas fue un pintor clásico de la vida moderna que mantuvo una apasionada relación con la pintura del pasado.

Fuentes:
http://www.artehistoria.com/v2/personajes/1723.htm
http://www.artehistoria.com/v2/contextos/5143.htm
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/degas.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Edgar_Degas



Proyecto Tributo a los Maestros







domingo, 28 de junio de 2015

Girasoles y Cipreses... Vincent Van Gogh

  En las décadas finales del siglo XIX, el impresionismo marcó el inicio de una profunda renovación de las artes plásticas que tendría continuidad en la sucesión de ismos o corrientes del arte contemporáneo, nos enseña la página Biografías y Vidas. Y explica luego, algunos de los mejores maestros de este periodo, sin embargo, no pueden encasillarse en ninguna escuela, y abrieron por sí solos nuevos caminos; entre ellos, el holandés Van Gogh ocupa una posición señera.

    VINCENT VAN GOGH (Groot-Zundert, Países Bajos, 1853 - Auvers-sur-Oise, Francia, 1890) es la encarnación del artista torturado e incomprendido, Van Gogh no llegó a vender más que uno de aquellos centenares de cuadros suyos que hoy se encuentran valuadas en cifras millonarias. El reconocimiento de su obra no empezó hasta un año después de su muerte, a raíz de una exposición retrospectiva organizada por el Salón de los Independientes.
   Hoy Van Gogh es considerado  uno de los grandes genios de la pintura moderna. Su producción ejerció una influencia decisiva en todo el arte del siglo XX, especialmente en el fauvismo y el expresionismo; y tras más de un siglo de experimentos artísticos, la pincelada tosca y atormentada del artista holandés, alimentada por el vigor de su pasión interior, conserva toda su fascinante fuerza emotiva.

   El artista holandes fue el mayor de los seis hijos de un pastor protestante, y mantuvo con su hermano Theo, cuatro años menor que él, una relación que sería determinante en su existencia y en su trayectoria artística. La correspondencia que ambos intercambiaron a lo largo de sus vidas testimonia la intimidad de esta relación y las pasiones y angustias humanas y creativas que atormentaron a Van Gogh en sus últimos años. Tras recibir una esmerada educación en un internado privado, a los dieciséis años entró como aprendiz en la filial de La Haya de la galería de arte parisina Goupil, una sociedad de comerciantes de arte fundada por su tío Vincent.
   En 1873 pasó a la sucursal de la galería Goupil en Londres, donde hubo de padecer el primero de sus fracasos sentimentales; en 1875 fue trasladado a la filial parisina; en 1876 se despidió y regresó a Holanda. Trabajó después como profesor, ayudante de un pastor metodista y empleado de una librería; ninguno de estos empleos le duró mucho tiempo. Por aquel entonces sentía sobre todo la necesidad espiritual de entregarse a sus semejantes; de hecho, siempre había querido ser pastor, como su padre, y tal vocación lo llevó a Ámsterdam para seguir los estudios de teología, que suspendió.
   Pasó entonces a la Escuela de Evangelización Práctica de Bruselas, y en 1878 fue enviado por sus superiores a la zona minera del Borinage. Establecido en el pueblo de Pâturages, próximo a Mons, realizó una serie de dibujos de los mineros. La Escuela de Evangelización lo expulsó por su excesiva implicación: impresionado por sus infrahumanas penurias, Van Gogh llegó a dar a los mineros lo poco que tenía y a vivir más pobremente que ellos.
   El contacto con tal miseria y desolación socavó su fe, y Van Gogh pasó esta crisis espiritual vagando por Francia y Bélgica y escribiendo a su hermano Theo, que ocupaba ahora su antiguo empleo en la galería Goupil de París. Animado por Theo, en 1880 decidió dedicarse a la pintura y fue a Bruselas, donde conoció al pintor Anthon Van Rappard (con quien mantendría una larga relación) y llevó a cabo las primeras copias de Millet.
   Tras otro fracaso sentimental con su prima Kate, conoció a una prostituta llamada Sien, cuyos infortunios despertaron su siempre infinita compasión. En 1882 vivió en Schenkweg con Sien y con sus hijos, que tomó a su cargo; seguía dibujando, y realizó sus primeros cuadros. Tras descubrir Theo su relación con Sien, rompió con ella a instancias de su hermano y marchó al norte, donde permaneció hasta finales de 1883. Fue luego a Nuenen, donde se aproximó de nuevo a su familia y pintó febrilmente; de esos dos años (1884-1885) son sus primeras telas de importancia. Cuadros como Los comedores de patatas (1885), diversas representaciones de tejedores y cabezas y figuras de campesinos forman, junto con innumerables dibujos, el conjunto de obras de esta etapa de formación.
   En 1886 se reunió con su hermano en París; allí, en la capital artística de Europa, el contacto con el impresionismo reorientó visiblemente su estilo. Se relacionó con los impresionistas y postimpresionistas en la tienda de colores del "père Tanguy" (de quien pintó el conocido retrato) y descubrió el arte japonés. Su hermano le presentó a Camille Pissarro, Georges Seurat y Paul Gauguin; conoció asimismo a Toulouse-Lautrec y Émile Bernard, y bajo ese nuevo ambiente llegaría a la definición de su pintura. Su paleta se tornó definitivamente clara y colorista y sus composiciones menos tradicionales, dando forma a su personal visión del postimpresionismo.

Arles: Los Girasoles (1888)

   Los consejos de su hermano y su interés por el color y por la captación de la naturaleza lo  indujeron a trasladarse en febrero de 1888 a Arlés, en la soleada Provenza, donde su obra fue progresivamente expresando con mayor claridad sus sentimientos sobre lo representado y sus propios estados de ánimo. Trabajó intensamente, pintó la mayoría de sus telas más célebres y puras y escribió sus páginas más claras y profundas.
GiraSoles
Mi tributo a Van Gogh - Gladys Fretes
    Las pinturas de los girasoles de Vincent van Gogh han sido duplicadas muchos tiempos por varios artistas, tal como el mismo Van Gogh hacia con las láminas japonesas o las que su hermano le enviaba de otros pintores, que Van Gogh las trasponía en telas incorporando su propia interpretación sobre ellas con sus pinceladas y colores. Los girasoles, noches estrelladas, flores, zapatos y cipreses, han sido expuestas en todas partes, galerías y museos.
   Al radicarse en Arles, Van Gogh consigue realizar su deseo de vivir en una casa con estudio donde trabajar tranquilamente, y a su vez, de darse el caso, ofrecer alojamiento a los  amigos, esta fue la Casa Amarilla cercana a la estación de trenes de esa localidad. Allí también intentó concretar un proyecto de fundar uan comunidad de pintores donde éstos pudieran trabajar estimulándose recíprocamente, pensó primeramente en su amigo Gauguin, el que para 1888 pasaba un momento difícil tanto de salud como económico y acepta su invitación.
   Así, preparando su casa para llegada de Gauguin, Van Gogh diseña la decoración del estudio de ambos, consistente en exclusivamente en "grandiosos girasoles", para lo cual pinta doce telas con este motivo.
   De Leeuw en su biografía sobre este artista afirma "Los girasoles, que en la iconografía cristiana simbolizan lo divno, ocuan un lugar muy importante en la vida de Van Gogh, junto con el sol y la luz; seguramente el artista era conciente de su valor simbólico.
   En las obras de los girasoles, los colores son vibrantes y expresan emociones que son asociadas con la vida de los girasoles: amarillos brillos del flor a morenos áridos de mustio y muerte; todas las etapas son presentadas. Quizás esta técnica sea lo que atrae a alguien a la pintura; el cumplimiento de mirar a todos los ángulos del espectro de la vida y, de uno en uno, llega más profundo a un entendimiento de cómo son conectadas todas las cosas vivientes.
   Hay muchas piezas en esta serie de pinturas, cada una es claramente identificable como una obra de Van Gogh, en el cual hay solamente diferencias menores que las separan. Según BBC.co.uk: "Esta serie de pinturas fue hecha posible por las innovaciones en los pigmentos manufacturados en el siglo 19. Sin la vitalidad de los colores nuevos, como el color amarillo cromado, Van Gogh nunca podría lograr la intensidad de los girasoles. "
   Aseveran historiadores de arte que las pinturas de los girasoles por Van Gogh han cambiado la perspectiva de humanidad de arte y vida. Estas pinturas cautivan la mente y dejan estupefacto a alguien en su belleza simplista. Los tallos fluidos y ajados y el arrebato de amarillo bonito captan la audiencia alrededor de la pintura, sin interrumpir la balanza de la pieza. 

  Retomando la biografia, instalado su amigo Paul Gauguin en la "casa amarilla" (en octubre de 1888), la relación fue haciéndose difícil por el fuerte temperamento de ambos. En el transcurso de una discusión, Van Gogh llegó a atacar a Gauguin con una navaja de afeitar; luego, arrepentido de aquel arranque, se cortó el lóbulo de la oreja para expiar su culpa y lo hizo llegar a Gauguin, quien, lejos de conmoverse ante aquella muestra de contrición, lo juzgaba ya como un loco peligroso con el que no tenía ninguna intención de convivir.

Saint Rémy: Los Cipreses 

   Tras la marcha de Gauguin, Theo le visitó e hizo que ingresara en el hospital de Arlés. En mayo de 1889, ante el temor a perder su capacidad para trabajar, pidió ser ingresado en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence, donde permaneció doce meses. También en este período Van Gogh pintó intensamente; tras sufrir diversos ataques y ante la imposibilidad de salir al exterior, realizó obras relacionadas con el hospital, retratos de médicos y reinterpretaciones de obras de Rembrandt, Delacroix y Millet. La pérdida de contacto con la realidad y una progresiva sensación de tristeza son las claves de este período, durante el cual desarrolló un estilo basado en formas dinámicas y en el uso vigoroso de la línea, de lo cual resultó una pintura más intrépida y visionaria que la de Arlés.

   Junto con los girasoles, son obras masivamente reconocidas, aquellas con cipreses pintadas en Saint Rémy, "la noche estrellada" (1889) o "carretera con cipres" (1890) Van Gogh los pintó en más de 40 cuadros; en una carta dirigida a su hermano Théo , le decía: 
"Me interesan los cipreses. Quisiera hacer algo como  con los cuadros de los girasoles, porque me asombra que todavía no hayan sido pintados como los veo yo. El ciprés es bonito como madera y por sus proporciones es como un obelisco egipcio. Y el verde es un tono muy especial. Es una mancha 'negra' en un paisaje soleado, pero es también una de las noches más interesantes; que yo sepa, la más difícil de pintar".

En el análisis de sus obras que realiza la publicación Biografías y Vida, señala que en Cipreses (1889, Metropolitan Museum, Nueva York), esos infamados árboles que simbolizaron siempre la hospitalidad se yerguen como dos llamaradas desde una espesura de matas bajas, inquietas contra un luminoso cielo azul arremolinado de nubes blancas. Las pinceladas son espesas, se arraciman y se superponen en torbellino, y el conjunto del paisaje queda traspasado por una turbadora ansiedad. 
 
Tributo a Van Gogh de Marta Acosta
Una proyección aún más intensa de su estado de ánimo en el paisaje se encuentra en Noche estrellada (1889, MOMA, Nueva York), donde las ondulaciones sacuden una visionaria representación del cielo, reflejo de una abrumadora angustia interior. La fuerza de tales obras ha valido al artista la consideración de genial precursor del expresionismo.
  No siempre fue sombrío el ánimo de Van Gogh en esta fase final. De hecho, muchas de las cartas a Theo de los últimos meses están iluminadas por una alta y feliz embriaguez creadora, por el gozo de una liberación artística finalmente alcanzada en íntima comunión con la libre naturaleza. La desazón interior convivía con una pasión creativa inextinguible y con su exacerbada sensibilidad por la belleza, y tal tensión está en la base de muchas obras. Campo de trigo con cipreses (1889, National Gallery, Londres) muestra el espíritu inquieto de un hombre al borde de la locura, pero también expresa la admiración del artista por la belleza y el poder de la naturaleza, como se manifiesta en los cipreses flameantes y en las espigas dobladas por el viento.
   La naturaleza, que alegraba y sorprendía al maestro con su belleza, no lograba sosegar su atormentada alma.  Sin conseguir superar el estado de melancolía y soledad en que se encontraba, en mayo de 1890 se trasladó a París para visitar a su hermano Theo. 
  Por consejo de su hermano viajó a Auvers-sur-Oise, donde fue sometido a un tratamiento homeopático por el doctor y pintor aficionado Paul-Ferdinand Gachet. En este pequeño pueblo retrató el paisaje y sus habitantes, intentando captar su espíritu. Su estilo evolucionó formalmente hacia una pintura más expresiva y lírica, de formas imprecisas y colores más brillantes.
   Dos semanas antes de su suicido pintó una de sus obras más sobrecogedoras, Trigal con cuervos (1890, Museo Van Gogh), que ha sido objeto de dispares interpretaciones. Un premonitorio cielo oscuro con una bandada de cuervos cubre uno de sus amados trigales, atravesado a medias por un camino cortado. Murió sin haber cumplido los treinta y siete años. Al cabo de seis meses, sumido en el dolor, le siguió su hermano Theo, enterrado a su lado en el pequeño cementerio de Auvers.


Fuentes:
De Leeuw, Ronald. "Van Gogh" Colección "El impresionismo y los inicios de la pintura moderna",  Ed. Plantena Argentina, 1998
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gogh.htm
http://www.vangoghgallery.com/es/pinturas/los-girasoles.html
http://vientoenviaje.blogspot.com.ar/2010/12/los-cipreses-de-van-gogh.html


Proyecto Tributo a los Maestros de la Pintura








domingo, 5 de abril de 2015

Arthur Hughes, su Ophelia y mi tributo

ARTHUR HUGHES, (Londres, 1832 - 1915), fue un pintor e ilustrador inglés asociado a la Hermandad Prerrafaelita.

   En 1849 ganó la medalla de plata de dibujo antiguo y su primer cuadro, Musidora, un desnudo convencional, fue colgado en la Royal Academy, cuando sólo tenía 17 años, contribuyendo a partir de entonces, casi anualmente con un cuadro, no sólo a la Real Academia, sino también, más adelante, a las exposiciones de la Grosvenor Gallery y la New Gallery.
   La primera obra con el nuevo estilo prerrafaelista tuvo lugar en 1852, con Ophelia, dándose la circunstancia que su amigo Millais también presentó otra Ophelia en la misma exposición, basándose ambos en el personaje de Ofelia en el Hamlet, de William Shakespeare.
    A su muerte en Kew Green, dejó alrededor de 700 cuadros y dibujos conocidos, junto a más de 750 ilustraciones de libros.

¿QUÉ FUE LA HERMANDA PRERRAFAELISTA?
   Fue una asociación de pintores, poetas y críticos ingleses, fundada en 1848 en Londres por John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt. 
   Propugnaban el regreso al detallismo minucioso y al luminoso colorido de los primitivos italianos y flamencos, anteriores a Rafael —de ahí el nombre del grupo—, a los que consideraban más auténticos.

Todo extraído de Wikipedia, donde pueden ir por más info
http://es.wikipedia.org/wiki/Arthur_Hughes_(artista)
http://es.wikipedia.org/wiki/Hermandad_Prerrafaelita

Proyecto Tributo a los Maestros




sábado, 4 de abril de 2015

Sir John E Millais - Maestro de la Pintura



  Sir JOHN EVERETT MILLAIS (Southampton, Reino Unido,1829 – 1896), fue un pintor e ilustrador británico, niño prodigio que a los once años se matriculó en la Escuela de la Real Academia de Bellas Artes de Londres. 
   En 1848 creó junto a Rossetti y Hunt la Hermandad Prerrafaelita trabajando en este estilo de los italianos del Quattrocento.
   Todas sus obras del período prerrafaelista están realizadas con gran atención por los detalles, destacando a menudo la belleza y complejidad del mundo natural. 
   En 1856 contrae matrimonio con Effie Gray, y a partir de ello cambió su estilo de pintura, haciéndolo más comercial y asequible.
   Con el tiempo Millais se ancló en el academicismo, renegando incluso de sus compañeros, tan así que, fue elegido miembro asociado de la Royal Academy of Arts en 1853, y poco después fue admitido como miembro de pleno derecho. 
   En la Academia tuvo una muy activa participación. En 1885 se le otorgó el título de Baronet, siendo el primer artista en obtener un título hereditario.

   Respecto al retrato "Alice Grey", una de las obras que tomo para rendir mi homenaje, se trata de Sophie Grey, quien era la hermanita de su esposa Effie, con la que tuvo gran afinidad y leí por ahí, que esta proximidad afectiva entra Millais y su cuñada, motivo a su esposa Effie a alejarla. Para esto, la niña fue su musa en muchas obras de Sir John, a medida que crecía. También leí en algun blog, que no hubo nada certero que indicara que hubiera alguna relación más profunda entre los cuñados (ja! pasado el dato tipo culebrón). Sonrío

   En lo que hace a La Dama de Honor, una antigua superstición inglesa decía que si la dama de honor de una novia pasaba nueve veces un trozo de tarta nupcial a través del anillo podía adivinar el futuro que le deparaba en cuestión de amores.
   La joven retratada por Millais, con esa expresión absorta, parece estar realizando ese conjuro.
   En esta obra, Millais hizo algo innovador, el tratamiento del color, que hoy para nosotros resulta usual, pero sorprendente para su época casi 1oo años antes al movimiento pop que nos acostumbró a tal uso de los colores.
   La larga cabellera, domina el cuadro y lo invade con tonos cálidos anaranjados que se transforman en amarillos en su vestido de seda, aunque luego vuelven a tomar protagonismo en la fruta que aparece sobre el plato en primer plano.
   El fondo del cuadro marca un contraste violento y parece empujar a la dama de honor hacia delante y con la mirada fija hacia el frente y a la vez concentrada en el conjuro, parece mostrar un gesto de descaro y de afirmación de lo que, muy convencida, está haciendo.
   Destaca la delicadeza del detalle floral del vestido, de pincelada, según los especialistas, casi impresionista y que nos permite centrar toda nuestra atención en el rostro de la modelo de fuerte e independiente personalidad pero, al mismo tiempo, de indudable encanto, señalan las fuentes.

Fuentes y más info:
ArteHistoria, ARTEHISTORIA PROYECTOS DIGITALES, S. L., Madrid. http://www.artehistoria.com/v2/personajes/2751.htm

Pilar Álamo. John Everett Millais y su obra " La dama de honor" (1851).  Blog: Color y Forma 2 (Aula de Arte). http://pincelyburil2.blogspot.com.ar/2014/04/john-everett-millais-y-su-obra-la-dama.html


Colaboradores de Wikipedia. John Everett Millais [en línea]. Wikipedia, La enciclopedia libre, 2015 [fecha de última consulta: 28 de julio del 2015]. Disponible en http://es.wikipedia.org/wiki/John_Everett_Millais


Proyecto Tributo a los Maestros



miércoles, 12 de febrero de 2014

Imperfecta

Imperfecta by Gladys Fretes
on Flickr.


    Constantemente confronto con mis no-saberes, mis torpezas.
   Hago, disfruto el hacer, y ante lo hecho, al poco rato advierto errores, o como pudo ser mejor.
  Hace tiempo decidí aceptar mi imperfección, y seguir intentando, seguir disfrutando de ese íntimo placer de desarrollar una idea, trabajar en ella, expresarla, así, llena de trazos perfectibles.
   Ahora... sin querer (tal vez), viendo esto de lo imperfecto dí con la idea desarrollada, por supuesto mil veces mejor de lo que yo lo he hecho, de ...


Cómo amar lo imperfecto...

¿Cómo amar lo imperfecto,
si escuchamos a través de las cosas
cómo nos llama lo perfecto?

¿Cómo alcanzar a seguir
en la caída o el fracaso de las cosas
la huella de lo que no cae ni fracasa?

Quizá debamos aprender que lo imperfecto
es otra forma de la perfección:
la forma que la perfección asume
para poder ser amada.

ROBERTO JUARROZ - Poesía Vertical VI - 7

domingo, 7 de abril de 2013

Salvemos la Reserva San Guillermo

    Sé que muchos no han tenido la suerte que tuve de ver un puma, son de una gran belleza, cuando los vi me dejaron impresionada, son fuertes, estilizados, elegantes, bellos y sus ojos son como una gran gota de agua de un profundo azul. Lamentablemente los ví en una reserva, en Misiones, donde estaban curándolos para luego intentar volverlos a la selva. 
    
 Los pumas, me contaron aquella vez, viven, o mejor dicho, vivían también por esta zona del nordeste, pero la tala, la pérdida de monte en nuestra zona y de selva en Misiones, el avance de los poblados afectó sus vida, quedando muy pocos.
     Por ello, comparto este mail de una de las Coordinadoras de Voluntarios de Greenpace, 


La empresa minera Barrick Gold Corporation está extrayendo oro en la Reserva San Guillermo, San Juan, un paraíso salvaje de más de 900 mil hectáreas, poniendo en grave riesgo el hábitat natural del puma, la vicuña y otras especies.
Para extraer oro, la minera abre caminos, construye diques y realiza perforaciones con explosivos y sustancias altamente tóxicas, afectando fuentes indispensables de agua como glaciares y ríos y generando graves consecuencias para las poblaciones de los animales típicos de la zona. Cualquier falla o error en el proyecto Valedero podrían provocar una catástrofe irreparable en toda la región.

Necesitamos salvar el hogar del puma y sólo podemos hacerlo con tu ayuda.

¿Qué podés hacer ?

1- Descargá nuestra planilla de firmas y buscá adhesiones entre tus conocidos. Hacé click aquí. Imprimilas, atales una lapicera y pedile al almacenero, quiosquero, carnicero, y a todos los dueños de negocios de tu barrio que la pongan en un lugar visible para que todos sus clientes también se sumen. Explicale la importancia de nuestro reclamo.
Cuando tengas todas las planillas, podés enviárnoslas por fax al (011) 4552-0845 o copiar los datos en un archivo Excel y enviarlas por mail a voluntarios.ar@greenpeace.orgCuantas más firmas tengamos, más fuertes seremos.

2- Mirá y compartí el video oficial de nuestra campaña




3Convertite en puma. Descargá tu careta y sacate una foto para compartir en redes sociales. Hacé click aquí.

4- Subí los banners de la campaña a tu sitio o a tu perfil de Facebook (o descargá las imágenes y empapelá tu ciudad). Hacéclick aquí.

5- Copiá y pegá estos mensajes en tus tweets para difundir la campaña:
Salvá a la Reserva San Guillermo de la mineria. Entra ahttp://grpce.org/WRlC0P #SalvaSanGuillermo
Exigí a @joseluisgioja que no permita que @BarrickArg destruya la Reserva San Guillermo. Entra a http://grpce.org/WRlC0P#SalvaSanGuillermo.
Defendé la Reserva San Guillermo de los intereses mineros de @BarrickArg Entrá a http://grpce.org/WRlC0P #SalvaSanGuillermo
6- Si tenés Blackberry o WhatsApp enviale este mensaje a todos tus contactos:
¡Defendé el hogar del puma! Pedile ahora al gobernador de San Juan, José Luis Gioja, que prohíba toda actividad minera en la Reserva San Guillermo. Entrá en http://www.salvasanguillermo.org.
Éste es nuestro momento de actuar.
¡Muchas gracias por acompañarnos!
Noelia.




jueves, 31 de enero de 2013

"Las Minas de Sánchez" por Javier Vargas

Fotografía: Javier Vargas. Gentileza de Lilián Maldonado
    
     En la muestra que con mi amigas, Silvia Kum y Lilian Maldonado, exhibimos nuestras pinturas, el artista plástico chaqueño Javier Vargas nos emocionó al presentarnos las palabras que comparto en esta entrada. Pero antes, aquí están estás dos maravillosas artistas:

Lilián Maldonado
Silvia Kum
LAS MINAS DE SANCHEZ
LAS “MINAS DE SANCHEZ” SON TRES MUJERES, TRES ARTISTAS QUE TRANSITAN CON PERSONALIDAD PROPIA Y DEFINIDA LAS ARTES VISUALES, CADA UNA DE ELLAS CON UN LENGUAJE  Y TÉCNICA DIFERENTE NOS RELATAN UNA PARTE DE LO COTIDIANO, LO VERNÁCULO  LO QUE PARA MUCHOS PASA DESAPERCIBIDO Y QUE ELLAS CON SU SINGULAR EXPRESIÓN NOS LO HACEN PRESENTE, VISIBLEMENTE BELLO.
PAISAJES, ROSTROS, ANIMALES, OBJETOS QUE SE CONVIERTEN EN PROTAGONISTAS, INVITÁNDONOS A IMAGINAR POSIBLES HISTORIAS DE VIDAS REFLEJADAS EN MIRADAS, ARRUGAS,EXPRESIONES Y  ROSTROS; A RECORRER PAISAJES DE MARES AZULES,  EXPRESIVOS ANIMALES Y OBJETOS CON LO QUE CONVIVIMOS COTIDIANAMENTE QUE PASADOS POR LA CREATIVIDAD Y TALENTO DE ESTAS MUJERES, TRASCIENDEN LO COTIDIANO PARA CONVERTIRSE EN OBRAS QUE NOS HABLAN DE LA VIDA MISMA Y AL MISMO TIEMPO NOS INVITAN A APRENDER A  VER LA BELLEZA QUE NOS RODEA.
LÍNEAS Y PLANOS, COLORES, MANCHAS, TIZAS, ACRÍLICOS  TEXTURAS, LUCES Y SOMBRAS SON LOS MEDIOS MATERIALES QUE UTILIZAN PARA TRANSPORTARNOS DESDE LO COTIDIANO QUE NOS RODEA  AL MUNDO INTERIOR DE CADA UNA DE ELLAS.
ELLAS SON: LILIAN MALDONADO, SILVIA KUM Y GRADYS FRETES, LAS “MINAS DE SANCHEZ”, TRES ARTISTAS QUE SE HAN FORMADO  BAJO LA  MIRADA Y EXPERIENCIA DEL MAESTRO ARTISTA, OSCAR SANCHEZ KELLY, QUIEN LAS HA ACOMPAÑADO A CADA UNA DE ELLAS  EN EL PROCESO CREATIVO Y DESARROLLO ARTÍSTICO  RESPETANDO A CADA UNA CON SU PROPIA IDENTIDAD. PARA ELLAS EL MAESTRO SANCHEZ, HA TRASCENDIDO  LA FIGURA DEL DOCENTE, CONVIRTIÉNDOSE EN EL MAESTRO, EL AMIGO. SIN LUGAR A DUDAS ESTA MUESTRA ES UN HOMENAJE A SU PERSONA, A SU TALENTO Y A SU AMISTAD.
ARQ. JAVIER VARGAS

 ¡Gracias Javier!


Las fotos  de la Expo tomadas por Loren Bistman y se las puede ver en:
https://www.facebook.com/media/set/?set=a.10151385769234314.536135.598194313&type=3  


Y estas, son las manchitas que expuse

miércoles, 12 de diciembre de 2012

Expo Lilian Maldonado Silvia Kum y Gla Fretes en el CCN (Universidad Nacional del Nordeste)

    

    Esta exposición de pintura donde tengo el placer de mostrar mis manchitas con mis amigas Lilian y Silvia, las que además son dos artistas que admiro. Por otra parte en una sala tan importante para nuestra ciudad, como lo es la del Centro Cultural Nordeste.
     La exhibición no solo muestra pinturas y objetos intervenidos, sino que proponer ver las obras desde otras perspectiva además de la convencional.
     La muestra estará abierta al público hasta e20 de diciembre, y se la puede visitar gratuitamente en el Centro Cultural Nordeste de la UNNE, de lunes a viernes, de 8 a 12 y de 16 a 21 hs. Calle Illía 355, Resistencia, Chaco




       El pintor y maestro que recordamos con esta muestra, Oscar Sánchez Kelly, en oportunidad en que cada una de nosotros expuso, escribió:



SOBRE LILIAN MALDONADO
“ La historia de la pintura nos muestra un género muy preciado, pero que en los últimos decenios quedó un poco en el olvido, me refiero al RETRATO, Lilian Maldonado trata de demostrarnos que
esto no es verdad……”
“… Las técnica empleada por Maldonado, que es la tiza pastel sobre cartón, más el formato de la
obra nos lleva a admirar más la presencia del autor, que la del retratado……
“ Los personajes retratados por Lilian Maldonado, exquisitamente pintados con intenciones hiperrealistas, son obras de una artista sensible. Transcripción e impecable traducción pictórica, son las constantes en la obra de esta joven artista chaqueña”….
OSK
SOBRE SILVIA KUM

Silvia Kum, Pintora Chaqueña con trayectoria lo suficientemente vasta como para observar con detenimiento un análisis exhaustivo de su obra de los últimos años.


Viajera incansable, Kum a sabido capitalizar la experiencia de los viajes y los museos del mundo acomodando sus conocimientos a su experiencia artística. Podemos además ver en sus pinturas sus experiencias, sentimientos y sus emociones bien definidas en los temas que trata a través de los cuadros presentados en esta oportunidad.

Detrás de estas obras existe una experiencia de cantidad, en el estudio de composición y color que surgen de su sensibilidad y que termina con la racionalidad del orden en la distribución de planos, líneas y una geometría sensible derivada de los acontecimientos mas impactantes del siglo XX.
Experiencia notable, trabajo incansable dan este resultado grandilocuente de una artista joven con mucho futuro.
OSEKA
SOBRE GLADYS FRETES
“La joven artista plástica Gladys Fretes nos sorprende con sus pinturas, donde los personajes presentados cobran vida a través de la expresión de los planos y las líneas que conforman el concepto posmoderno.
Gladys nos ofrece un colorido espectacular contenido en una geometría sensible producto de un trabajo constante.
 Sus resultados exceden lo tradicional, logrando que los temas íntimos, cotidianos, pasen a segundo plano por la expresión que impone. Transporta lo cotidiano a nivel artístico.
       Esta figuración no convencional es estimulante al espectador que aprecia una pintura con lenguaje propio
oeseka”

jueves, 30 de agosto de 2012

Expo de Invierno - Ed 2012 - del TAV

Mielina by Gladys Fretes
Participé con    Mielina a photo by Gladys Fretes on Flickr.

          El invierno se llenó de color en la muestra que ofreció  el Taller de Artes Visuales de la UNNE, en la Galeria Carlos Schenone de esa institución, donde se exhibieron producciones resultantes de procesos de investigación referidos al color y composición, tanto dentro de la figuración como de la no figuración, de los alumnos regulares, junto con quienes egresados, continúan concurriendo por vocación.



     Bajo la curación de Javier Vargas, expusimos: 
Aldana Torres, Ale Allevi,    Graciela Carrasco,  Dana Almiron, 
Dioni Torre,   Eli Monzón,  Lorena Garcia, 
Gladys Fretes,  Ita Navarro,  Juan Urbina, 
Lilian Maldonado, María Eugenia Maiquez,
Lorena Mendoza,  Nilda Tortella,  Norma Delgadon, 
Ofelia Velasquez, María Rosa Piñero,  Rafael Zarate, 
Carina Rolon,  Rosana Romero, Sarita Kantor, 
Stechina M. , Ana Szyja,  Vanina Gimenez Vilma Leguizamon.

miércoles, 4 de julio de 2012

Mr Cellophane

Mr Cellophane by Gladys Fretes
Mr Cellophane a photo by Gladys Fretes on Flickr.
Acrílico y esmalte sobre chapadur - 28x30cm - 25 febrero 2006 -  Serie Personajes


   Cada vez que veo la película Chicago, con   Catherine Zeta-Jones, Renée Zellweger, Richard Gere, John C. Reilly,  Queen Latifah, adaptación del musical creado por Bob Fosse, me fascino además de los temas, la coreografía, la fotografía, con este tema Celofán, que habla de esas personas que no son tenidas en consideración por los demás, que pasan inadvertidas, esas personas tan necesarias, que están ahí y con las que se puede contar cuando se las necesita, el común, el que se pierde en la multitud como uno más. 
   El personajes es interpretado hermosamente por John C Reilly, que hace de Amos, de alguien a que nadie ve, y del que nadie siquiera recuerda bien como se llama. 
    
    Hace tiempo, cuando comenzaba la serie Personajes, una de mis manchitas, la que  se ve al inicio de este comentario, corresponde al Señor Celofán. 


♪ ♫ If someone stood up in a crowd
And raised his voice up way out loud
And waved his arm
And shook his leg
You'd notice him

If someone in a movie show
Yelled "fired in the second row,
This whole place is a powder keg!"
You'd notice him

And even without clucking like a hen
Everyone gets noticed, now and then,
Unless, of course, that personage should be
Invisible, inconsequential me!

Cellophane
Mister cellophane
Should have been my name !!!!
Mister cellophane
'cause you can look right through me
Walk right by me
And never know I'm there!

I tell ya
Cellophane
Mister cellophane
Should have been my name
Mister cellophane
'cause you can look right through me walk right by me
And never know I'm there. . .

Suppose you was a little cat
Residin' in a person's flat
Who fed you fish and scratched your ears?
You'd notice him

Suppose you was a woman wed
And sleepin' in a double bed beside one man for seven years
You'd notice him

A human being's made of more than air
With all that bulk, you're bound to see him there

Unless that human bein' next to you
Is unimpressive, undistinguished
You know who. . .

Should have been my name
Mister cellophane
'cause you can look right through me
Walk right by me
And never know I'm there
I tell ya
Cellophane
Mister cellophane
Should have been my name
Mister cellophane
'cause you can look right through me
Walk right by me
And never know I'm there
Never even know I'm there ♫♫

sábado, 5 de mayo de 2012

Alto ahí - Expo Primer Mes Ed. 2012

Alto ahí by Gladys Fretes
Alto ahí a photo by Gladys Fretes on Flickr.        Serie El mundo de mi Patio
Integra la exposición: Primer Mes - Edición 2012
Taller de Artes Visuales - Universidad Nacional del Nordeste
Resistencia, Chaco (Argentina)
~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

     Primer Mes, es una muestra  de dibujos y pinturas de alumnos del Taller de Artes Visuales de la UNNE, que desde hace varios años se realiza luego del primer mes de iniciado el ciclo lectivo, que exhibe trabajos llevados a cabo durante el primer mes del ciclo lectivo de esa institución.
   














   Así, los alumnos regulares, incluso algunos ingresantes, muestran sus trabajos juntos con los vocacionales, varios de los cuales cuentan con una trayectoria en las artes plástica chaqueña.


    Es una muestra de labor de taller, que permite apreciar al público desde los primeros pasos en la plástica de los que dan sus primeros pasos junto con obras de otros exponentes habituales.
     Participan en ella: 
Astrid Francini,  Rosana Romero, Melissa Scolari, Mirta Scolari, 
Sarita Kantor, Silvia Kum, 
Gladys Fretes, Nicolas Meza, Lilian Maldonado, Dioni Torres, 
Martin Belmonte, Ita Navarro, 
Norma Minicucci, Juan Urbina, Alejandra Allevi, Jonni Molina, 
Carina Rolon, Roxana Espinoza, 
Sebastian Mujica, Nilda Tortella, Lyon Fernandez, Augusto Tura, Adrian Leguiza. 
Con la curación de Javier Vargas.

    Se la puede visitar durante este mes de abril y la primera quincena de mayo en la Sala II del Taller de Artes Visuales de la UNNE, de lunes a viernes de 9 a 13 hs y de 16 a 21 hs., pudiéndose ingresar tanto por  calle Illia 353 o Juan B Justo 350, Resistencia, Chaco - Argentina.

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